El Centro
El Nasher Sculpture Center
Localizado en el centro del Distrito de Arte de Dallas, el Nasher Sculpture Center, es la sede de una de las mejores colecciones de escultura moderna y contemporánea del mundo, la colección de Raymond y Patsy Nasher, que cuenta con más de 300 obras de arte de Calder, de Kooning, di Suvero, Giacometti, Gormley, Hepworth, Kelly, Matisse, Miró, Moore, Picasso, Rodin, Serra, Shapiro y Turrell, entre otros.
El tan anhelado sueño de toda la vida de los fallecidos Nasher, el museo ocupa una extensión de 2.4 acres, el Nasher está compuesto por un edificio de 55,000 pies cuadrados, diseñado por el famoso arquitecto Renzo Piano, y de un jardín de 1,4 hectáreas diseñado en colaboración con el arquitecto paisajista Peter Walker. El edificio está rodeado por paneles de fachada de cristal, permitiendo que se pueda ver el edificio continuamente y sin obstrucción desde varios ángulos de la calle y a lo largo del jardín, creando una simple transición entre las galerías interiores y exteriores. Una innovadora pantalla de protección solar de aluminio fundido, diseñada específicamente para el Centro Nasher, flota sobre el techo y permite que la luz natural controlada se filtre hacia las galerías, eliminando así la necesidad de mantener iluminación artificial la mayoría del tiempo, y convirtiéndolo en un 'museo sin techo'. Además de los espacios interiores y exteriores de la galería, el Centro cuenta además con un auditorio, áreas de educación e investigación, una cafetería y una tienda.
Habiendo sido creado para la exposición, estudio y conservación de la escultura moderna y contemporánea, el Nasher Sculpture Center cuenta con exposiciones rotativas de programas educativos y culturales, relacionados con las Colecciones y exhibiciones especiales, tales como la de 360: de Artistas, Críticos, Curadores, una serie de conferencias ofrecidas por visionarios del mundo del arte en conversaciones centradas en temas escultóricos.
Nuestra Historia
El nacimiento y crecimiento de la Colección de Raymond y Patsy Nasher comenzó hace más de cincuenta años. En 1950, los Nasher viajaron a México, donde se interesaron por el arte pre-colombino y compraron los primeros trabajos de lo que se convertiría en una gran colección de objetos ancestrales de América Latina. Seguidamente ellos adquirieron otros trabajos etnográficos y arqueológicos, y una serie de importantes pinturas y grabados modernistas de Norte América. A menudo el señor Nasher atribuía a la participación temprana en las artes precolombinas y otras formas de arte tribal, el haber despertado el apetito de los Nasher por, y hacia la apreciación, de obras tri-dimensionales modernas.
Hacia finales de la década de 1960, los Nashers habían hecho ya sus primeras adquisiciones importantes de escultura moderna Incluyendo un Torso con Protuberancias de Jean Arp (1961), dos grandes bronces de Henry Moore, Tres Piezas No. 3: Vértebrae (1968) y una Figura Reclinada de Dos Piezas No. 9 (1968, que ya no está en la colección), y de Barbara Hepworth los grandes y poderosos Cuadrados con Dos Círculos (Monolito) (1963, molde de 1964). En rápida sucesión, pasaron a adquirir obras de, entre otros, Joan Miró, Alexander Calder, y Isamu Noguchi.
Estas obras marcaron una alta pauta en las adquisiciones futuras y los incentivaron en su proyecto de rodearse de grandes obras de arte en su casa. Al señor Nasher gustaba la idea de poder utilizar esculturas para darle vida a los espacios en sus desarrollos inmobiliarios comerciales y eventualmente, comenzó a rotar grupos de obras a través de su altamente exitoso Centro Comercial de NorthPark . Desde el comienzo la guía fundamental para adquisiciones de los Nasher fue simple: las obras tenían que motivarlos personalmente.
Durante la década de 1980, la colección creció a un ritmo acelerado. Se añadieron obras sobresalientes de muchos de los grandes maestros de la escultura moderna. Al mismo tiempo, los Nashers se involucraron más profundamente con obras de artistas vivos, exhibiendo un gusto ecléctico y aventurero que abarcó objetos diversos, y a veces desafiantes. Algunas de las primeras adquisiciones importantes en esta área, incluyeron la Pila de Borradores de Maquinas de Escribir, de Claes Oldenburg (1970-1974), la Casa Invertida de Tarjetas, de Richard Serra (1969-1970); Sin título, de Donald Judd (1976), y el Vidrio Doble de Roy Lichtenstein (1979). Pronto siguieron obras de artistas más jóvenes, como Anish Kapoor, Richard Deacon, Jeff Koons, Scott Burton y Martin Puryear.
Para 1987, la Colección Nasher había ya ganado reconocimiento internacional y fue una de las primeras exposiciones en el nuevo edificio del Museo de Dallas en el centro de la ciudad. La colección se presentó posteriormente en la Galería Nacional de Arte, en Washington- DC; en el Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, España; en el Forte di Belvedere, en Florencia, Italia; y en el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel.
En octubre de 1996, la colección fue exhibida en Un siglo de Escultura: La Colección Nasher en el California Palace de la Legión de Honor en San Francisco, y en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, en febrero de 1997.
Examinada en su conjunto, la Colección Nasher refleja un considerable equilibrio entre sus obras modernas tempranas y el arte de la posguerra, la abstracción y la figuración, trabajos de escala monumental al aire libre y de escala más íntima en interiores, y de los diferentes materiales utilizados en la producción del arte moderno. Sin embargo su característica más distintiva, tal vez sea la profundidad con la que se representa a algunos artistas claves, como Matisse (con nueve esculturas), Picasso (siete), Smith (siete), Medardo Rosso (siete), Moore (siete), Miró (cuatro), y Giacometti (diez). Tales perspectivas bien balanceadas sobre el desarrollo de estos maestros, ofrecen, en efecto, una serie de mini-retrospectivas dentro del espectro histórico general de la colección.
Las Galerias Nasher
El Edificio
La planta principal del edificio de 55.000 pies cuadrados, está dividida en cinco pabellones. Las paredes están revestidas de losas de dos pulgadas de ancho de travertino italiano, ocultando por completo los sistemas ambientales y de seguridad de la instalación y proporcionando un entorno tranquilo para la presentación de esculturas. Las fachadas en cada extremo son de vidrio transparente, permitiendo a los pabellones extenderse visualmente al jardín para crear una continuidad sin fisuras entre los espacios interiores y exteriores del Centro.
Un singular techo abovedado de cristal se encuentra suspendido sobre las galerías, sobre cerchas de acero delgadas, apoyadas en barras finas de acero inoxidable. Una innovadora pantalla de protección solar de aluminio fundido, diseñada específicamente para el Centro, flota sobre el techo y permite que la luz natural controlada se filtre hacia las galerías, proporcionando una iluminación óptima para la visualización de esculturas.
Los tres pabellones centrales en la planta principal sirven como galerías, mientras que los dos exteriores alojan oficinas y espacios públicos, incluyendo una tienda y una cafetería.
El nivel inferior incluye una galería más pequeña para la presentación de obras sensibles a la luz, un laboratorio de conservación, instalaciones educativas y de investigación, y un auditorio que se abre hacia un jardín con terraza
El Jardín
Además de las galerías interiores, el jardín de esculturas de uno y medio acres sirve para albergar aproximadamente 25 esculturas de gran escala.
El ligeramente inclinado jardín rodeado de muros revestidos de travertino, es un oasis de arte y naturaleza en medio del vibrante núcleo urbano.
Una variedad de follaje maduro, incluyendo magnolias, olmos de cedro, robles vivos, arrayanes de crepé, sauces, y acebo, definen espacios de visualización íntima y crean 'habitaciones exteriores' destinadas para la reflexión y la contemplación de las obras presentadas.
Arquitecto Renzo Piano
Ganador del Premio Pritzker de Arquitectura en 1998, Renzo Piano ha diseñado varios museos de arte aclamados por la crítica, entre los que sobresalen el Museo Beyeler en Basilea, la Colección Menil en Houston y el Centro Georges Pompidou en París (en colaboración con Richard Rogers). Ha sido elogiado como un arquitecto que tiene el genio de fusionar arte, la arquitectura e ingeniería avanzada para crear algunos de los museos más notables en el mundo.
Más allá de su trabajo en museos de arte, Piano es conocido por su diseño de la Terminal Aérea Kansai International en Osaka, Japón, el Museo de la Ciencia y la Tecnología en Amsterdam, y un centro cultural en Numea, Nueva Caledonia. Piano contribuyó a la dramática restauración de la Plaza Berlín Potsdamer Platz, tanto como maestro planificador y como arquitecto.
Piano ha también trabajado en la reconstrucción de edificios históricos, incluyendo la renovación de la fábrica Lingotto en Turín, Italia y la revitalización del viejo puerto de Génova, Italia, entre muchos otros.
Además de su diseño para el Nasher Sculpture Center, los proyectos recientes del Sr. Piano incluyen expansiones del Instituto de Arte de Chicago, del Museo de Arte High Museum de Atlanta, del Museo de Arte Kimbell en Fort Worth y del Museo de Arte del Condado de Los Angeles; las nueva instalaciones de la Biblioteca Morgan de la Ciudad de Nueva York, la Academia de Ciencias de California en San Francisco, CA, el edificio del New York Times en la ciudad de Nueva York, y un plan maestro para la Universidad de Columbia
Renzo Piano Building Workshop
Peter Walker, Arquitecto Paisajista
Con una carrera que abarca más de cuatro décadas, Peter Walker ha tenido un impacto significativo en el campo de la arquitectura paisajista. El alcance de los proyectos paisajistas del Sr. Walker es amplio y variado - van desde jardines para ciudades y sedes corporativas, hasta los centros académicos. Independientemente de la geografía o del medio ambiente, sus diseños dan forma al paisaje en una variedad de inflexiones estilísticas y culturales, poniendo siempre la claridad y la modernidad de la visión al servicio de las necesidades específicas del sitio.
El Sr. Walker diseñó los jardines panorámicos del World Trade Center Memorial en Nueva York; en el Triángulo Federal en Washington, DC (con IM Pei Arquitectos); Disney City en la ciudad de Orlando, Florida, el Sony Center de Berlín (con Murphy / Jahn Architects), y el Museo Municipal Toyota de Arte, de Toyota City, Japón. También diseñó la fuente Tanner en la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts, el Paseo de la Biblioteca de la Universidad de California en San Diego, y un plan de desarrollo panorámico y un proyecto de mejora para el campus de la Universidad de Texas en Dallas.
El Sr. Walker es también un instructor y se ha desempeñado como Jefe del Departamento de Arquitectura Paisajista en la Escuela de Post-Grados en Diseño, en la Universidad de Harvard y en la Universidad de California en Berkeley.
Peter Walker & Asociados
Acerca del Nasher Sculpture Center (Centro de Escultura Nasher)
Inaugurado en el 2003 y situado en el corazón del Distrito de Artes de Dallas, el Nasher Sculpture Center es la sede de una de las mejores colecciones de esculturas modernas y contemporáneas en el mundo, la colección de Raymond y Patsy Nasher, cuenta con más de 300 obras de arte de Calder, de Kooning, di Suvero, Giacometti, Hepworth, Kelly, Matisse, Miró, Moore, Picasso, Rodin, y Serra, y más. El sueño de toda la vida del fallecido Raymond y Patsy Nasher, el museo fue diseñado por el mundialmente famoso arquitecto Renzo Piano en colaboración con el arquitecto paisajista Peter Walker
El Nasher Sculpture Center presenta exposiciones temporales de obras de la colección de la familia Nasher, así como exposiciones especiales provenientes de otros museos y colecciones privadas. Además del espacio interno de la galería, el Centro contiene un auditorio, instalaciones para la educación y la investigación, una cafetería y una tienda.
Nuestra Misión
Ser un punto focal internacional y catalizador para el estudio, instalación, conservación y apreciación de la escultura moderna y contemporánea
Nuestra Historia
La mundialmente famosa Colección Raymond y Patsy Nasher comenzó a crecer hace décadas en las galerías de América Central.
Fue en 1950 cuando Raymond y Patsy Nasher viajaron a México y fueron expuestos por primera vez al arte pre-colombino. Fue este encuentro al que a menudo le atribuye el señor Nasher el haber despertado el apetito de la pareja por, y hacia la apreciación, de obras tri-dimensionales modernas.
No tardaron en adquirir otros trabajos etnográficos y arqueológicos y diversificaron su colección con la adición de muchas obras importantes de arte modernista americano.
El Comienzo
A mediados de la década de 1960, los Nashers hicieron sus primeras compras importantes de escultura moderna. Estas incluyeron Torso con protuberancias de Jean Arp (1961), dos grandes bronces de Henry Moore, tres piezas No. 3: vértebrae (1968) y la Figura reclinada de Dos piezas N º 9 (1968, que ya no está en la colección), y de Barbara Hepworth, los grandes y poderosos Cuadrados con Dos Círculos (monolito) (1963, molde de 1964 ).
Rápidamente adquirieron obras de muchos escultores destacados como Joan Miró, Alexander Calder, y Isamu Noguchi.
Estas compras establecieron un alto estándar para las adquisiciones y sirvieron para aumentar aún más la visión de Nasher para llenar su hogar y jardín privado, con grandes obras de arte
El señor Nasher también le gustaba la idea de que podría utilizar esculturas para darle vida a los espacios en sus desarrollos inmobiliarios comerciales. Fue en estas propiedades, al igual que en el exitoso centro comercial de NorthPark, donde empezó a rotal exhibiciones de arte para ser admiradas por el público.
Expandiendo la Colección
El principio que guió a los Nashers para efectuar las adquisiciones fue simple: las obras tenían que motivarlos personalmente.
Durante la década de 1980, la colección creció a un ritmo acelerado. Se añadieron obras sobresalientes de casi todos los grandes maestros de la escultura moderna.
Los Nashers también se involucraron cada vez más profundamente con esculturas creadas por artistas vivos, exhibiendo un gusto ecléctico y algo aventurero que abarcó una amplia gama de perspectivas y objetos que invitan a la reflexión.
Algunas de las primeras adquisiciones importantes en esta área, incluyeron la Pila de Borradores de Maquinas de Escribir, de Claes Oldenburg (1970-1974), la Casa Invertida de Tarjetas, de Richard Serra (1969-1970); Sin título, de Donald Judd (1976), y el Vidrio Doble de Roy Lichtenstein (1979). Pronto siguieron obras de artistas más jóvenes, como Anish Kapoor, Richard Deacon, Jeff Koons, Scott Burton y Martin Puryear.
Protagonismo Mundial
Para 1987, la Colección Nasher había ganado reconocimiento internacional y fue una de las primeras exposiciones en el nuevo edificio del Museo de Dallas en el centro de la ciudad. La colección se presentó posteriormente en la Galería Nacional de Arte en Washington - DC, en el Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España, en el Forte di Belvedere, Florencia, Italia, y en el Museo de Tel Aviv, Israel.
En octubre de 1996, más de 70 esculturas de la colección se exhibieron en el Palacio California, de la Legión de Honor en San Francisco CA. En febrero de 1997, 105 obras de escultura y pintura de la colección se exhibieron en 'Un Siglo de Escultura: La Colección Nasher' en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
En el día de Hoy
La Colección Nasher de hoy es, sobre todo, acerca de balance; equilibrio entre las primeras obras modernas y el período de la posguerra, entre la abstracción y la figuración, entre las obras monumentales al aire libre, y creaciones íntimas interiores, así como los materiales utilizados en la producción de arte moderno.
Una de las características más famosas y reconocidas de la colección es la gran profundidad con la que representa a algunos artistas claves, tales como Matisse (con once esculturas), Picasso (siete), Smith (ocho), Raymond Duchamp-Villon (siete), Moore (ocho), Miró (cuatro), y Giacometti (13). Las perspectivas bien redondeadas de tales artistas magistrales, son en sí mismas una serie de micro-retrospectivas dentro del espectro histórico general de la colección.
Raymond D. Nasher será recordado como uno de los líderes civiles y mecenas de las artes más influyentes de Dallas. Su pasión por la escultura moderna y contemporánea y su incansable compromiso de establecer a Dallas / Fort Worth como uno de los más finos destinos culturales del mundo, llevará su legado hasta las generaciones venideras.
El Director, Jeremy Strick
Jeremy Strick ha sido el Director del Nasher Sculpture Center desde marzo de 2009. El Sr. Strick supervisa las colecciones, exposiciones, y las operaciones en el museo de 2.4 hectáreas ubicado en el corazón del Distrito de las Artes del centro de Dallas. Él ha sido el responsable de la presentación de numerosas exposiciones de escultura contemporánea, ha iniciado programación innovadora, y en 2015, creó el Premio Nasher, el único premio dedicado a la escultura contemporánea.
Strick ha sido clave en la creación de nuevos programas e iniciativas para el museo. En la celebración de su 10º aniversario en el 2013, el Sr. Strick organizo a la exposición pública Nasher XChange, comisionando a 10 artistas, como Ugo Rondinone, Rick Lowe, Alfredo Jaar y Lara Almarcegui, para crear obras en espacios públicos a través de Dallas. El Nasher XChange extendió la misión principal del museo más allá de sus paredes y dentro de la comunidad que la rodea con la presentación de avances claves en el creciente campo de la escultura en el espacio público, y así pudo ampliar las conversaciones nacionales e internacionales sobre la escultura en los espacios públicos.
En el 2010, Strick inicio Sightings, una serie de exposiciones e instalaciones en pequeña escala que exploran nuevas obras de escultores consagrados y emergentes ,y que ha incluido a artistas como Eva Rothschild, Alyson Shotz, Diana Al-Hadid, Erick Swenson, Martin Creed y Nathan Mabry. El Sr. Strick también creó 360: Artistas, Críticos, Curadores, una serie de conferencias mensuales con visionarios del mundo del arte en conversaciones sobre temas esculturales. Oradores destacados en el Nasher en los últimos años incluyen a Anthony Gormley, Sir Nicholas Serota, Nick Cave, Aaron Curry, Trenton Doyle Hancock, Linda Ridgeway, Thomas Houseago, Arlene Shechet, Kiki Smith y Laurence Weiner. Además, puso en marcha los altamente aclamados conciertos de Soundings, una serie de Nueva Música en el Nasher, que ha sido aclamado por los críticos de Dallas como la más emocionante e inteligente programación musical de la ciudad en 40 años, con artistas como Midori, Gilbert Kalish, Tin Hat, Eduardo Leandro y David Krakauer y el compositor Stephen Mackey.
Strick ha organizado varias exposiciones en el Nasher, incluyendo a: Jaume Plensa: Género y Especie (2010), Rachel Whiteread: Dibujos (2010), (Revelación): El arte de James Magee (2010); Alexander Calder y el Arte Contemporáneo: Forma , Balance, Alborozo (2010); Estatuaria (2011), Tony Cragg: Viendo Cosas (2011), Elliott Hundley: las Bacantes (2011), Ernesto Neto:Abrazo en la Cuerda Floja (2012); Katarina Grosse: WUNDERBLOCK (2013), David Bates (2014), Mark Grotjahn Sculpture (2013); Mark Grotjahn Sculpture (2014); Provocations: The Architecture and Design of Thomas Heatherwick Studio (2014); Melvin Edwards: Five Decades (2015); Phyllida Barlow ‘tryst’ (2015); and Giuseppe Penone: Being the River, Repeating the Forest (2015).
El Sr. Strick se familiarizó inicialmente con la Colección de Raymond y Patsy Nasher hace 27 años durante el tour Internacional de la exposición de la Colección Nasher, organizada conjuntamente por el Museo de Arte de Dallas y la Galería Nacional de Arte en Washington D.C. El Sr. Strick era entonces el Curador Asistente de la Galería Nacional y fue responsable en parte de la preparación y montaje de la exposición, y escribió para el catálogo. Durante ese tiempo, también conoció a Raymond y Patsy Nasher y se reunió con ellos en su casa de Dallas.
Antes del Nasher, el Sr. Strick se desempeñó como Director del Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Los Ángeles, California por más de nueve años. Bajo su Dirección, MOCA recibió aclamación internacional por su programa de exposiciones, que incluyó programas tan emblemáticos como Martin Kippenberger: La Perspectiva del Problema (2008), Marlene Dumas: Midiendo su propia tumba (2008); © MURAKAMI (2007); WACK.! Arte y la Revolución Feminista (2007); Éxtasis: Dentro y Acerca de Estados Alterados (2005), Basquiat (2005), Música Visual: Sinestesia en Arte y Música desde 1900 (2005), Robert Smithson (2004), Lucian Freud (2003), Retrospectiva de Andy Warhol (2002), Willem de Kooning: Trazando la Figura (2002) Superflat (2001), Douglas Gordon (2001), y La Arquitectura de la RM Schindler (2001), entre muchos otros. Otros logros incluyen la apertura de MOCA Pacific Design Center, una galería satélite de 3.000 pies cuadrados, la ampliación significativa de la colección permanente del museo, y la ampliación de la membresía del museo en más de un 80 por ciento.
El Sr. Strick también se desempeñó como curador senior en el Instituto de Arte de Chicago, y ocupó cargos de curaturía en el Museo de Arte de Saint Louis y de la Galería Nacional de Arte, en Washington, DC. Cursó estudios de postgrado en Bellas Artes en la Universidad de Harvard y recibió su licenciatura de Artes (Historia del Arte) en 1977 de la Universidad de California en Santa Cruz. Además, ha administrado numerosas exposiciones incluyendo Louise Bourgeois: los personajes 1946-1954 (en El Museo de Arte de Saint Louis, 1994); A la Luz de Italia: Corot y Early, Pintura al Aire Libre (Galería Nacional de Arte, Museo de Arte de Saint Louis, 1996), y Música Visual: Sinestesia en el Arte y la Música desde 1900 (MOCA, 2005), habiendo escrito y dictado numerosas conferencias sobre arte moderno y contemporáneo.